RYOSUKE HANDA
filmography
 

新着レビュー　　8月28日　　

FOREST ISLAND

review of LONELY WOLF INTERNATIONAL FILM FESTIVAL　

     In the dimly lit echo chambers of global cinema, Ryosuke Handa unveils the timeless tale of FOREST ISLAND a delicate introspection into the fragility of human spirit, entwined with nature's perennial evocations. With undertones reminiscent of Ozu’s quiet meditations on life and death, Handa escorts us on a serenely tempestuous voyage into the heart of the Boso Peninsula, where the whispers of leaves synchronize with the heartbeats of its characters.

An evocative piece set in the tumultuous backdrop of World War II, the narrative juxtaposes the thunder of war with the silence of nature, amplified only by Bach's mournful notes from a hand-made cello. The film, much like Tarkovsky’s *The Mirror*, engages the audience in a psychoanalytic exploration of the past's haunting, an embodiment of memory and music as catharsis.

Mogami’s portrayal of the mother brings to mind the poignant depth of Setsuko Hara in *Tokyo Story*. She imbues her character with a subtleness, wrestling with grief, hope, and the ethereal tethering to her lost son. Pere Jovanov, as the wounded soldier, articulates pain and solace through the strings of his cello, becoming a conduit of both his own memories and those of the mother's departed son. The forest, alive with Keiun Kim’s portrayal of tree spirits, adds an ethereal layer to this intricate tapestry, playing silent witness to the sorrows of war, reminiscent of the forest spirits in Miyazaki’s *Princess Mononoke*.

The ghost, an almost Shakespearean chorus, carries with him a kettle, a symbol of his unfulfilled purpose, echoing the mournful lament of the cello. In a scene where the mother hears the kettle's distant resonance, we're reminded of the unspoken words and lingering emotions that often hang in the air, forever awaiting acknowledgment.

Handa’s prior venture, "Alicematonika", hinted at his capacity to traverse realms beyond mere realism, and with forest island, he perfects this dalliance with the ethereal. The sound scores, curated meticulously by Yamanaka, Fujii, Fuwa, and Tadokoro, become characters themselves, weaving seamlessly through the narrative, much like the wind rustling through the trees.

The film's color palette, a delicate balance between the verdant forest and the earth-toned interiors of the cottage, evokes a melancholy synonymous with Wong Kar-wai’s *In the Mood for Love*. The digital cinematography captures the serenity of the forest with the sharpness of contemporary cinematography, yet maintaining an old-world charm, an ode to Japan's rich celluloid history.

In a world inundated with visual narratives, FOREST ISLAND  stands as a testament to the enduring power of subtlety. Handa beckons us to listen not just to the voices of the characters but to the silences they inhabit. As he eloquently states, he attempts to hear the voices of nature itself, transcending the human. By the end, we're left wondering whether we are mere visitors in nature's grand narrative or active participants in its eternal symphony.

In conclusion FOREST ISLAND is not merely a film; it is a poetic invitation, a meditation, and a celebration of the interplay between nature, memory, and music. It serves as an exemplar of what cinema, when rendered with passion and precision, can achieve. As the credits roll, one feels both a weight of profound reflection and the levity of having borne witness to cinematic brilliance.

Grade: A*

　世界映画の閉鎖空間の中から抜け出し、伴田良輔は「森へ island 」という物語によって、人間精神の脆さと自然の叫び声が交錯した豊かな洞察をわれわれに明らかにした。小津映画の生と死の黙想を彷彿とさせながら、伴田は私たちを房総半島の中央へ、静かなる嵐の旅へと連れて行く。そこでは木々のざわめきが、登場人物の心臓の鼓動と同期している。
   第二次世界大戦の騒乱の背後に設定されたこの感動的な作品は、戦争の轟音と自然の静けさを対照的に提示し、手作りのチェロによるバッハの哀愁漂う旋律によってそれが増幅していく。この映画は、タルコフスキーの作品「鏡」に似て、亡霊が観客を惹きつけ、記憶と旋律の一体化がカタルシスをもたらす。
　母親役の最上和子には、「東京物語」の女優原節子を思い浮かべるような感動的な深さがある。希望と喪失、死んだ息子との痛みに満ちた超自然的な繋がりを、ニュアンスのある演技で表現している。負傷兵役のペレ・ジョバノフはチェロの演奏によって痛みと安寧を表現し、死んだ母親の息子の記憶と自身の記憶を交錯させる。金景雲の樹木の魂のダンスは戦争の悲しみをたたえた森をたちあがらせ、宮崎駿の「もののけ姫」における森の精霊を思い起こさせる。
　シェイクスピア作品のように歩き回る幽霊は、果たされなかったチェロ演奏への哀歌にも聞こえる音を立てるヤカンを手に持っており、母親が遠くから聞こえるそのヤカンの音に気づく場面は、とらえようとしても捉えられない永遠が描かれる。
   伴田良輔の前作「アリスマトニカ」(２０１２)は、単なる現実以上の領域を探求する伴田の能力を示唆しており、「森へisland」でそれを実現させている。山中透、藤井斉子、不破大輔、田所大輔による音楽は、風が木々をかすめるように、とぎれることなく寄り添っている。。
　映画の色彩は、緑豊かな森とコテージの壁の色調の繊細なバランスでなりたち、ウォン・カーウァイの「花様年華」にも似た哀愁を呼び起こす。カメラは現代のシネマトグラフィの鮮明さを持ちながらも。日本の豊かな映画史へのオマージュとしての古典的な魅力も保っている。
   饒舌な視覚効果に溢れる映画の時代において、「森へ island」は抑制と持続の力を示している。伴田は、人物の声だけでなく沈黙に耳を傾けるように私たちを誘う。彼自身がいうように、彼は自然そのものの声を聞こうと努力し、人間の向こうに目をむけている。最後には、私たちは自然の壮大な物語の単なる訪問者なのか、その永遠の交響曲の積極的な参加者なのかを考え込まされる。
「森へisland」は、単なる映画ではなく、詩的誘惑、黙想、自然、記憶、音楽が交錯した祝祭的な空間である。情熱と繊細さによって、映画が何を達成できるかの見本である。エンドロールクレジットが流れると、深い省察の重みと映画的知性の軽やかさを同時に感じることだろう。

（評価：A*）